1. "Inconsciente colectivo" (Ir de la cama al salón 1982)

Como estándar para el corazón y el evangelio de la transición democrática, "Unconsciente Collective" es una canción obsoleta de su sonido primordial, melodía y letra disuelta en un estado de ánimo que combina el miedo y los sueños de libertad de una época. Al escuchar “Nace una flor, sale el sol todos los días”, lo primero que resuena en la mayoría de ellos es Mercedes Sosa, esa especie de voz en off de la conciencia musical argentina. Pero hay que volver a la grabación original de la canción, la que cerró el debut en solitario de Charly García en 1982. Tras la separación de Serú Girán, García relanzó su carrera como celebridad nacional. Las expectativas eran enormes. Pasar de la cama al salón (que se publicaría en conjunto con Pubis angelic, la banda sonora de la película de Raúl de la Torre) tenía que ser también una reinvención. Después de grabar todas las pistas entre los estudios ION y Panda, Charly y el técnico Amílcar Gilabert se sentaron a escuchar el material. Algo andaba mal. Y aunque no pudo definir qué era, Charly decidió descartar todo y empezar de nuevo. "Esa decisión fue un éxito", dice ahora Gilabert.

Comparado con su trabajo anterior, el solista Charly tenía un sonido "más racional, no tan cargado de cosas, donde los silencios también funcionaban como notas musicales", en palabras de Gilabert. "Colectivo inconsciente" fue un inédito de la época de Bicicleta (1980) que Serú interpretó en sus shows en el Coliseo en diciembre de 1981. Era una balada sobre la vida nueva y las fuerzas oscuras, y tenía una resonancia política innegable. Charly en otro gran momento de lo que podríamos llamar intimidad masiva. “Encontré una forma de hacerlo que me gustó”, le dijo a Claudio Kleiman en Expreso Imaginario, en noviembre de 1982. “Tiene una cosa eléctrica que se repite todo el tiempo, como una especie de mantra, y por otro lado el la melodía es casi folk. “El baterista Willy Iturri, ejecutor de la base minimalista (proto trip-hop), fue el único músico que participó en la grabación además de Charly, quien cargó el resto de instrumentos.“ El arreglo nos costó muchas vueltas alrededor de Panda ”, recuerda Iturri. "Nos dispararíamos, no nos conformaríamos y saldríamos a caminar para hablar de lo que andaba mal". Si nos abstraemos del contexto país, de su impronta psicobólica, y nos adentramos en el material sonoro de En la grabación, llama la atención ver cómo esta marcha fantasmal del pop moderno se convirtió en un himno para los patios escolares, el tema más cubierto del catálogo de García, algo así como el "Imagine" del rock argentino.

2. "Viernes a las 3 a. M." (Fat Capitals 1979)

La balada opresiva, sin estribillos ni entre líneas, que Charly escribió una noche en diez minutos, como Bob Dylan con “Blowin 'in the Wind”. De hecho, lo grabó mientras improvisaba melodía y letra de punta a punta en el estudio, y el piano y una de las voces (luego la dobló) de esta iluminación después de horas quedaron en la mezcla final. Es el espejo roto de "No te dejes desanimar", el tema de autoayuda de The Bird Making Machine, y fue censurado por la dictadura por "alentar al suicidio", incidente que quedó olvidado pero que en ese momento contribuyó para incrementar su impacto. En "Viernes 3 de la madrugada" las cosas terminan mal: ante la perspectiva de un fin de semana insoportable como una parábola del vacío ideológico, el protagonista acaba con su vida porque "no aguanta más". "'Friday 3 AM' tiene un error", admite Charly. "Dice 'bang, bang, bang'. Nadie puede acertar tres tiros. Con el primero ya se suicidó ”. En la versión que aparece en El gordo de los capitales no participa David Lebón, pero sí el bajo angustiado de Pedro Aznar, quien desveló que“ cada vez lo ensayamos, no pudo evitar llorar ”. Una confesión que eleva aún más este réquiem de aires de tango y genio instantáneo.

Joe Blaney, productor de Modern Clicks, dice que mientras Charly grababa “Los Dinosaurs” en Nueva York, unos amigos argentinos que estaban presentes en la sesión empezaron a llorar en medio de la canción. El poder de choque de este clásico abrazó a todo un país justo cuando la democracia volvía a respirar, y era lógico que el cancionero argentino estuviera lleno de referencias a la dictadura. El aporte de García estuvo a años luz de la mayoría y llamó la atención por su realismo y el uso de frases sencillas como "los amigos del barrio pueden desaparecer". Solo esa línea fue suficiente para referirse y explicar un momento atroz. Lo más extraño, y que también habla muy bien de García, es la forma en que ha tenido que desprenderse de los análisis que provocaron la letra: “Te juro que cuando la escribí no pensaba en los militares ... la letra tenía más que ver con los sentimientos de ausencia que se produce en uno cuando se pierde algo, desde un amor hasta el cepillo de dientes ", dijo el autor a Rolling Stone. Esa afirmación, incorrecta y brillante, realza el valor poético de una canción que lleva mucho tiempo Desde entonces dejó de pertenecer a él. La intro del sintetizador, la melodía parpadeante en el piano, los arreglos vocales de fondo y la guitarra intermitente de Larry Carlton fluyen hacia un elevado manifiesto de verdad y memoria.

4. "Pasar de la cama a la sala de estar" (Pasar de la cama a la sala de estar 1982)

La carrera en solitario de Charly García comienza con un tramo, una especie de gemido que se extiende sobre algunas notas de bajo y percusión programadas en una caja de ritmos Roland TR-808. Después, una presentación de diapositivas de escenas lujosas y decadentes parece hablar de alguien que puede tener cualquier cosa menos amor. Era 1982, Serú Girán se estaba separando y Charly había llegado a ser solista mientras Argentina estaba en guerra con Gran Bretaña por las Islas Malvinas. Su debut en solitario fue lanzado en agosto de 1982 y “Yendo de la cama al living” fue su primera canción y la que dio título al disco. El ritmo constante y letárgico de la pista destilaba el ambiente de asfixia y paranoia que se había vivido en Buenos Aires, pero tenía un origen doméstico. Charly había encontrado a su hijo Migue escuchando una y otra vez el comienzo de una canción de Serú Girán. Cuando cambiaba el ritmo, lo rebobinaba y volvía a escuchar esa parte. "Me acerqué a él para preguntarle si no le gustaba la parte que venía y me dijo que para él las canciones tenían que tener una sola parte", dijo Charly. "Gracias a él entendí que la música suele ser demasiado complicada, como si uno no pudiera, digamos, disfrutar ... Así que lo hice Ir de la cama a la sala, y eso le gustó".

5. "Canción para mi muerte" (Life 1972)

Charly García compuso "Canción para mi muerte" durante su breve paso por la conscripción, donde insultó a un teniente, mintió diciendo que tenía un soplo cardíaco para escapar y terminó en un hospital militar escribiendo la canción. “Me sentí muy mal por la velocidad que había tomado. Mi cabeza daba vueltas, pensé que era mi fin ", dijo años después." En diez minutos, mientras todo el hospital dormía, escribí el primer hit de Sui Generis ".

"Canción por mi muerte" se convirtió en el primer éxito masivo del rock nacional desde "La balsa", y su tema, ligado a los conflictos y sueños de la adolescencia, atraería por primera vez a un público más joven. Pero el sencillo con “Canción” (y “Amigo vuelve a casa pronto” en la cara B) como adelanto del debut de Sui, Vida, significó –además de la llegada de un nuevo grupo y compositor fundamental del incipiente movimiento rock argentino -, la aparición de un sonido folk-rock acústico con pocos antecedentes. La grabación, producida por Billy Bond, contó con la participación, entre otros, del guitarrista Claudio Gabis. "Me dio la oportunidad de tocar en un estilo folk-rock que no había usado hasta ese momento", dice ahora Gabis. "Incluso hoy, cuando lo escucho, me emociono".

"Que linda canción, Dios mío", dice Mercedes Sosa en un video, conmovida, luego de grabar "Desarma y sangra" para el disco Cantora. Fito Páez, quien la grabó en su disco Moda y pueblo, la definió como "una de las músicas argentinas más hermosas de todos los tiempos". Charly lo compuso en parte cuando tenía 12 años y, aunque el primer vinilo de los Beatles lanzado en Argentina ya lo había transformado para siempre, esos acordes de piano estaban influenciados por su formación clásica. En 1980, cuando Serú Girán iba a grabar Bicycle, su tercer disco, Charly escuchó a Tayda, el hijo de David Lebón, cantar “Blanca Navidad”, un villancico infantil que le recordaba esa vieja canción. Esa misma noche se sentó al piano y lo terminó. La letra combina imágenes hermosas y nítidas: "Tu tiempo es un vaso / Tu amor un faquir, mi cuerpo una aguja / Tu mente un tapiz". "La música es clásica, pero no la hice para mostrar nada, aunque es cierto que la toco para demostrar que puedo tocar así", dijo Charly. “Cuando escribí la letra, recuerdo haber pensado en el faquir y algo alegórico ... pensé en alguien que fue víctima de la Inquisición y en ese clima de sanguijuelas y torturas. ¡Incluso pensé en Houdini huyendo y mirando a mi alrededor! "

7. "Siguen golpeándonos (pecado mortal)" (Modern Clicks 1983)

Unos meses después de su debut en solitario con Pubis angelic / Pasando de la cama al salón y un espectáculo masivo en el estadio Ferro, García viajó a Nueva York en busca de nuevos sonidos. En esos días, el regreso de la democracia estaba cerca y pensó que tenía que devolverle al rock la parte de entretenimiento que alguna vez tuvo. Alquiló un loft, compró instrumentos y cajas de ritmos, y comenzó a escribir la letra y las líneas instrumentales de "Mortal Sin" (ese era el nombre original que no sería aceptado en los discos de Sadaic). Para la grabación en los legendarios Electric Lady Studios de Jimi Hendrix, contrató a Joe Blaney, el productor que vino de grabar con The Clash. “Grabamos 'They keep hitting us down', y se unió”, escribió García en RS 107. La canción que abre Modern Clics encendió la llama del pop electrónico y enfrentó al rock nacional con el futuro: nunca antes había una batería electrónica de Roland. TR-808 se ha utilizado en la música argentina. Pedro Aznar, que estaba en Nueva York tocando con Pat Metheny, grabó coros y un bajo maravilloso. La frase de guitarra, de Larry Carlton, alcanza un altísimo grado de efectividad emocional.

Hay algo de urgente en “Eiti-leda” y su vocación sinfónica, que invoca las primeras necesidades de Charly en el contexto político de los años 70. Libertad, sexo, sustancias prohibidas, la música como agente de cambio. Se trata de “Un día en la vida” de Serú Girán, en el que García es John y Paul en una misma canción, pidiendo todo lo que quiere, germinando la belleza donde florecía la paranoia. En un principio se llamaba “Nena”, y se puede escuchar en Adiós Sui Generis 3, de 1975. Tres años después se estrena el debut de Serú, pero encuentra su mejor forma en No llores por mi, Argentina, el disco en vivo de 1982. Energizado por el sonido de la época, Steely Dan y el brillo de All That Jazz. Estaba escrito para Nito y, a pesar de la incomodidad de Charly para cantarlo, sobrevivió con mínimas variaciones, como si nunca se hubiera atrevido a reescribirlo por temor a alterar su equilibrio molecular. “Hice esta canción cuando tenía 17 años, con una melodía más o menos. La letra es mala ”, dijo en Colón hace dos años, antes de lanzar su última versión conocida. El final ("el invierno fue malo y creo que me olvidé de mi sombra en un metro") apunta al corazón y da en el blanco, aunque Charly no opina lo mismo.

9. "Promises on the bidet" (Piano Bar 1984)

En 1999 en el Estadio Obras, antes de la sección instrumental de "Promesas en el bidet", un Charly García con la cara plateada exclamó: "¡Qué gran canción!" En medio de Say No More, el artista se maravilló espontáneamente de una de las composiciones más bellas y aparentemente sencillas de su repertorio, una balada llena de aire (esa suspensión del tiempo anterior al estribillo) grabada quince años antes, en la época de su relación con la Zoca brasileña. Charly parece sentir una debilidad por este éxito del álbum Piano Bar de 1984. En “Los 20 mandamientos” que escribió en 2007 para el diario Página / 12, un breve catálogo de conceptos y ocurrencias sobre el arte de escribir y componer canciones, le dedica el punto 10, y es el único pasaje del texto en que menciona su propia composición: “Para hacer una canción como 'Promesas en el bidé' se necesita un divino brasileño y un bidé. Y son cosas que no están al alcance de todos ”. En la grabación de video de las sesiones de Piano Bar, un álbum grabado en vivo en los estudios ION (y luego mezclado en Electric Lady, Nueva York), se puede ver cómo Charly llega al final de la canción repitiendo en voz alta el "acuerdo" de la letra. hasta que casi terminó de llorar.

10. "Rezo por ti" (Parte de religión 1987)

A mediados de la década de 1980, la asociación creativa entre Charly García y Luis Alberto Spinetta no solo derrumbó una supuesta dicotomía dentro del rock argentino, sino que también contrarrestó un período de oscuridad en la vida de Charly. Ese enfoque, que en un principio pretendía ser de compañía y contención, decidió la idea de un álbum conjunto que incluía 30 horas de grabación en los estudios Moebio, pero que nunca se materializó. “Rezo por vos”, una de las canciones que sobrevivieron al proyecto –con el clásico arpegio de guitarra en Re y un coro agudo cargado de épicas–, inmortaliza el clima tormentoso del universo privado de Charly con un tono religioso. También lleva un extraño antecedente: durante su presentación en vivo en el programa Cable a Tierra, conducido por Pepe Eliaschev, el departamento de Charly se incendió - asustando al propio Spinetta al coincidir con la línea “... y yo quemé las cortinas y me encendí con amor ... ”-, cargando la canción con una espesa mística que fue reproducida durante su regrabación, en Panda for Part of religion. “Cuando empezamos a hacer esa canción, las luces del estudio se apagaban”, recuerda el ingeniero Mario Breuer. "Lo rodeaba una intensidad muy fuerte".

11. "Confesiones de invierno" (Confesiones de invierno 1973)

La canción principal del segundo LP de Sui Generis es interpretada únicamente por Charly García. “Fue algo que viví entre 'Canción para mi muerte' y el segundo LP”, dijo. "Antes nunca había estado preso, fue solo en ese momento que comenzaron a llevarme". Construida en torno a un re mayor arpegiado, “Confesiones” es una canción popular semiautobiográfica de cinco estrofas que se despliegan como capítulos de una novela: un joven protagonista que, náufrago a la deriva, va a la cárcel y acaba en el manicomio. La canción rápidamente adquirió un carácter emblemático frente a la represión policial: en Adiós Sui Generis el público estalla en aplausos cuando Charly canta que de "la fianza la pagó un amigo, las heridas son del oficial".

12. "Cuando empiezo a estar solo" (Winter Confessions 1973)

Confesiones de Invierno, el segundo disco de Sui Generis, inicia una etapa más compleja y recargada para el dúo que se ha convertido en cuarteto. "Cuando empiezo a estar solo", el primer tema, lo compuso Charly sin ningún instrumento a mano, mientras vivía en una pensión con María Rosa Yorio. El bandoneón de Rodolfo Mederos y la flauta voz de Nito Mestre musicalizan la historia de un hombre en desgracia. En un gesto progresivo, la canción se exalta con un verso rápido y la voz ronca de Charly, para luego volver a sumergirse en una melancolía flotante y arrolladora.

13. "Song of Alice in the Country" (Bicicleta 1980)

La influencia de Lewis Carroll en la cultura rock se remonta a la psicodelia, pero nadie había utilizado el imaginario de Alicia en el país de las maravillas de forma tan política como lo hizo García en este clásico de Serú Girán, una de las alegorías más populares. contundente sobre la dictadura argentina. Compuesto para una obra de teatro, "Canción de Alicia en el campo" es una suite dramática donde el autor apenas oculta que su verdadera intención es hablar de censura y terrorismo de Estado. Hay algo operístico en el diseño de la pieza, y los cambios de tono en la voz de Charly (del suave falsete inicial al rugido de las imágenes oscuras) marcan una historia que se deforma por el calor de la violencia que late detrás del espejo.

14. "No llores por mí, Argentina" (No llores por mí Argentina, 1982)

Aunque después fue notablemente retocado en el estudio, Don't cry for me, Argentina es el disco que condensa el sonido en vivo de Serú. Es la despedida en público del grupo, que a la vez dice adiós a una forma de hacer las cosas: lo grabó Pedro Aznar con su pasaporte en mano, a punto de viajar para incorporarse al Grupo Pat Metheny, y no es casualidad que empiece con esta canción que funciona como un avance evidente del Charly que vendría. Más directo, más provocador, más real. Menos excesivo. Una ironía rockera contra la dictadura en el código New Wave que apenas necesitaba esta versión en vivo para pasar a la historia como la instantánea de un momento de ruptura.

15. "El fantasma de Canterville" (Porsuigieco 1976)

Charly García le quita a Oscar Wilde el título de una de sus canciones más rebeldes y censuradas, que León Gieco haría popular. Folk rock de resonancia dylaniana, fue grabado en el disco Porsuigieco, una colaboración entre García, León y Raúl Porchetto. Pero, a última hora, en el contexto represivo del 76, “El fantasma…” fue sustituido por “Antes de gira”. Sin embargo, hubo una tirada inicial de vinilo que incluía el tema, sin grabarlo en la portada ni en el sobre interior. Gieco en 1976, con letra suavizada, para su álbum The Canterville Ghost. También hay una primera versión en vivo de Adiós Sui Generis (75), pero lanzada muchos años después.

El inicio del período salvaje, con una canción de guerra que describe de dónde venimos, resalta algunos traumas y deja un signo de interrogación ante el voluntarismo excesivo de la primavera democrática. La apertura de Piano Bar es la síntesis más completa del concepto de reacción, después del clic moderno nada podría ser igual y el gesto crudo de la canción es la forma de contradecir a todos. El disco está grabado íntegramente en directo, no hay segundas tomas y todo suena urgente y despojado. "Demoling hotels" sirvió de campo de pruebas para confirmar la resistencia de la banda formada por el GIT, Fito Páez y Daniel Melingo. También incluye la frase generacional del disco, el irrefutable “Yo que nací con Videla”.

17. "Rasca las piedras" (Winter Confessions 1973)

En 1973, Charly García vivía con María Rosa Yorio en una pensión que estaba en Aráoz y Soler, en Palermo, donde lo único que tenía la pareja era una guitarra, un colchón de dos plazas y un estéreo en el que escuchaban a Artaud de Spinetta y el lado oscuro de la luna de Pink Floyd. Una tarde, María Rosa salió a comprar algo a la tienda y cuando regresó, Charly ya había preparado el gran himno de fuego del rock argentino. En la grabación de la canción, producida por Billy Bond, agregaron un aliento sofocado al principio. "La idea del tema era expresar el deseo que uno tiene de deshacerse de los flagelos de la sociedad", dijo Charly a RS. Y también las propias debilidades, la terquedad o los tópicos negativos que cada uno lleva dentro ”.

18. "Cerca de la revolución" (Piano Bar 1984)

Otro de los puntos culminantes de un disco casi perfecto, “Cerca de la revolución” fue una de las primeras canciones compuestas para Piano Bar, a partir de una secuencia de acordes inspirados en el hit “Venus”, de Shocking Blue. Un García idealista pero desencantado ve el horizonte siempre lejano de la revolución, y siente los límites de la democracia: "Y si mañana vuelve a ser como ayer, lo bello será horrible después, no es sólo cuestión de elecciones ..." . Se enfrenta a una realidad que lo supera (como el protagonista de “Street Fighting Man”), pero dobla la apuesta con un call to action que pasaría a formar parte de la marca García: “Pero si insisto, sé muy bien que lo haré conseguirle ". Guyot sorprende con un solo de guitarra improvisado.

19. "No quiero volverme tan loco" (Pasando de la cama al salón 1982)

Esta canción, al igual que “Inconsciente colectivo”, iba a formar parte del quinto disco de Serú Girán, que nunca se grabó por la salida de Aznar y la separación del grupo. Nació como un rock New Wave cargado de adrenalina bajo el título "Pena en mi corazón", y fue interpretado por Serú en sus recitales en el Coliseo del 81, con García en la viola eléctrica. Reaparece en Yendo ... como un rock de medio tempo en la línea Petty-Springsteen, y quizás de ahí la elección de León Gieco como cantante invitado. El grito de rebelión juvenil de Charly ante una sociedad mezquina y reprimida ("No me importa si soy un bandido / Estoy pateando basura en el callejón"), contiene una gran frase que se convirtió en un eslogan popular: " Joy no es solo brasileña ".

En algún lugar del Gramercy Park de Nueva York, Charly y Pedro Aznar (que acababa de terminar su aventura con el Pat Metheny Group) se encerraron a grabar con instrumentos y un puerto de estudio (la grabadora de casetes que revolucionó la forma de componer en los años 80). ). De esas vacaciones en cautiverio nació esta notable canción narcótica: un fresco digital, cadencioso y mecánico al mismo tiempo, que describe un estado psiquiátrico que se encuentra en un trance permanente, donde la noción de lo real parece perdida hasta nuevo aviso. En los 90, García la rescató para su mítica MTV Unplugged, y en los últimos tiempos solía tocarla en directo con Gustavo Cerati, fan confeso de una de las melodías más misteriosas e inspiradas de Charly.

21. "No soy un extraño" (Modern Clicks 1983)

"No soy un extraño" sintetiza de manera magistral esa sensación de cambio que atravesaba Charly García en la era de los Clicks modernos: la necesidad de sentirse otro sin importarle lo que se esperaba de él después de haber sido un gigante con Serú. Girán. Canta como susurrando entre cajas de ritmos, mientras la guitarra de Larry Carlton enhebra la melodía y se acerca el momento en que sube el tono en su confesión: "Sin prejuicios son los que vendrán, y los que ya no me importan", un Charly cantó quien buscaba escapar de esos "carceleros de la humanidad" que le exigían que se mantuviera dentro de su molde musical. Tenía la cabeza llena de nuevas ideas, ganas de experimentar, y fueron muchos los que condenaron esta convicción por seguir siendo vanguardista.

22. "Natalio Ruiz, el hombrecito del sombrero gris" (Vida 1972)

"Charly me mostraba alguna línea melódica o yo le contaba alguna idea, y así empezó el juego", dice Carlos Piegari, miembro original de Sui Generis y autor de la letra de esta canción, la triste fábula de un hombre apegado a moral represiva del viejo mundo. Nito Mestre y García llenan de tensión el coro cuando cantan: "¿De qué sirvió cuidar tanto tu tos? / No tomes más de lo que te indicó el médico / Cuida la forma que te dirán". “El tema representa el típico destilado adolescente donde la muerte y la melancolía morbosa nos fascinan”, explica Piegari. "Además, me acababa de mudar al barrio de Recoleta y estaba obsesionado con el cementerio".

23. "No bombardees Buenos Aires" (Pasando de la cama a la sala 1982)

Motivado por Malvinas, es una de las letras imprescindibles de García de los 80. El sinsentido de la guerra se expone en versos como "los jefes de los muchachos beben whisky con los ricos / mientras los trabajadores hacen masa en la plaza", en alusión a Leopoldo Galtieri. La aguda ironía de Charly también muestra el temor de la clase media porteña (de él mismo) de que la guerra llegue a la ciudad ("¡No bombardees Barrio Norte!"). “El tema habla de terror y cuando sientes que viene una mano negra y aparentemente todo está bien”, explicó. La puesta en escena es casi teatral, con cameos de personajes, doblajes y coros que refuerzan o responden a la voz principal.

24. "Buscando un símbolo de paz" (Parte de la religión 1987)

Con la idea de superar un año de oscuridad, Charly quería darle a Parte de la Religion un impacto instantáneo ("Es un álbum renacentista posdepresión", dijo), tanto en el ritmo sostenido de la batería como en el poder de la voz, que se proyecta con autoridad sobre los instrumentos. “Buscando un símbolo de paz”, un funk con samplers y percusiones grabado por Don Chacal en Río de Janeiro, cristaliza la búsqueda de un consuelo espiritual imposible. La canción acaba definiéndose en el puente con la voz de Paula Toller (de Kid Abelha, una de las bandas más vendidas de la historia de Brasil) y en el solo de guitarra final de David Lebón como único rastro de su paso por las sesiones. en Panda.

25. “No me verás en el metro” (Cómo conseguir chicas 1989)

Invitado por Charly García y el productor Joe Blaney, un día después de la primera edición del festival de Amnistía Internacional, celebrada en River en 1988, el violinista de Peter Gabriel, Shankar, grabó un juego de cuerdas en los estudios ION. Durante esa misma sesión, García compuso la música de "No me verás en el subte" en un piano. "Nos grabamos a los dos, el domingo, contrarreloj porque tenía que salir a las nueve de la noche", dijo García en una entrevista. "Vino con su violín doble, tomó algunas notas y salió algo asombroso". La letra final, escrita desde la mirada de una adolescente que sufre una historia de amor clandestina, surge de una historia que llevaba mucho tiempo dando vueltas en su cabeza.

26. “Hablando a tu corazón” (Tango, 1986)

Como “Rezo por ti”, “Hablar a tu corazón” es el fruto maduro de un árbol que plantaron juntos Charly García y Luis Alberto Spinetta, pero que luego cada uno custodió por separado. García dijo: “Con Luis compusimos juntos, la gente nos veía en la calle comprando pasteles y nos hizo sentir mucho poder. Nos asustamos y por eso no hicimos un disco juntos, porque el apartamento se incendió ”. (Mientras presentaba el proyecto en televisión, la casa de García se incendió.) Originalmente era una canción inglesa influenciada por el sonido de la época, como un juego de acercamiento techno-pop a las grandes ligas internacionales. Se convirtió en un éxito cuando García la revivió con Aznar en Nueva York, para eternizar su visión de la neurosis de los 80.

27. "Bancate ese defecto" (Modern Clicks, 1983)

"Un mensaje hecho durante la Argentina militar pero que se puede adaptar a esta Argentina", dijo García en el Luna Park en 1983, antes de tocar este tema que cerró el lado A de los Clics. "El mensaje es: si tienes una nariz grande, haz algo con ella y no te encojas". La leyenda del origen de esta composición, pues, tiene la impronta de la autoayuda: la epifanía adolescente del artista cuando descubrió que podía aprovechar la extraña pigmentación de su bigote. Maestro en el arte de mezclar lo público y lo privado en tiempos de represión, Charly reivindica aquí la imperfección y arremete contra la creciente locura por la cirugía estética, sobre una base que podría ser un puente entre los años progresistas y la Nueva Ola. El final es casi ambiental, con García exhalando la palabra "extraño" como un hechicero anormal.

28. "Cómo mata el viento del norte" (The Bird Making Machine, 1976)

Después de la última actuación de Adios Sui Generis, Charly caminó a casa: “Esa noche terminé solo en mi apartamento. Cuando eran las 8 de la mañana bajé las escaleras y compré dos flautas dulces nacionales. Tocando, haciendo grabaciones de una grabadora sobre otra, compuse 'How the North Wind Kills' ”, reveló. El tema más folk del debut de The Bird Making Machine es una referencia al pasado y también el inicio de una nueva etapa: el sintetizador espacial en la intro plantea una conexión cósmica; La esperanza se respira en la letra mientras viejos aliados (Nito Mestre y María Rosa Yorio) adornan los coros y Charly los despide con la frase "mi alma pequeña baila de alegría ...".

Charly versus Charly en una de las páginas más metafísicas de la discografía de Serú Girán. Una melodía monumental como hoja de ruta, la introspección como escenario natural. "Cinema verité" es Charly García en su papel de lúcido observador del mundo sentado al piano, "la máquina que mira" (frase que es un guiño al eslogan de un programa de televisión de la época llamado Videoshow), como la voyeur que relata el encuentro entre un rico y su cortesana en la playa, mientras reflexiona en voz baja. “Nací para mirar lo que pocos ven”, advierte Charly en un pasaje de la letra (una de sus frases más simbólicas), cargando suavemente contra la superficialidad del mundo cuando todos parecen ocupados con sus cosas.

Los ritmos utilizados por The Bird Making Machine se basan en la letra, un modus operandi que intentaba romper con la estructura monolítica del rock 4x4. “Hipercandombe” es parte de esa lógica: máxima velocidad, ajuste perfecto y una mezcla de tango-candombe-rock que no tiene antecedentes. La banda parece estar rockeando en esa mezcla de métricas y arreglos musicales, una exhibición de cualidades que se perfecciona a medida que la escalofriante historia de García gana terreno. La letra habla de la paranoia urbana en tiempos de dictadura (“No hay esperanza en la ciudad”), un exilio interno (“Te cubres la cara y el pelo también”) y la certeza del susto (“Y si esta última canción asusta usted ").

31. "La grasa de los capiteles" (La grasa de los capiteles, 1979)

Mucho antes de los programas que analizan “el papel de los medios”, Charly García hizo una radiografía exacta de la frivolización de la prensa. “Estaba podrido de todas esas revistas tipo Gente, que estaban tan enmascaradas, y pensamos en esa portada”, dijo Charly sobre esa portada conceptual de Serú. En 1979, en plena dictadura, el disco se abre con un estribillo –con aire de Queen– que pregunta "¿Qué importan ahora tus ideales?" tramitar, gente con máscara y todo eso "ya no los bancos". Entre guiños a Chick Corea y Weather Report, la producción incluye un efecto de fritura grabado en la cocina de su casa por el ingeniero Amílcar Gilabert.

Un pop / rock satírico marca el pulso de García de manera autorreferencial ("¿Por qué no me dejas, si solo soy un vicio?"). Como músico que se convierte en un hábito poco saludable para sus fanáticos y sobrevive a la etapa 3x1 de Say No More (grabó tres días y durmió uno), García necesitaba un hit que, luego de varias temporadas secas, lo llevara de regreso a las radios. Las voces de García, que graban casi todo lo que escuchas (piano acústico, Wurlitzer, guitarras, bajos, sintetizadores, batería y vocoder), se doblan y se despliegan entre sonidos lo-fi y hi-fi, lo que le da a la canción un carácter enfermizo. El proceso de grabación, al que él se refirió como "maravilla", también incluyó una versión gospel de un minuto.

33. “Tango en segundo” (Pequeñas anécdotas sobre instituciones, 1974)

“Escribí 'Tango en segundo' contra [el productor] Jorge Álvarez, esa parte que dice: 'No me gusta tu cara ...'. Tenía algunos pecadillos, como su forma muy especial de entender la distribución del dinero, y en ese momento asumió el rol de censor ", dijo Charly García a Rolling Stone, aludiendo a las modificaciones que sufrieron algunas cartas y la decisión de Jorge Álvarez de no hacerlo. incluyen “Crazy Boots” y “Juan Repression”. Para llenar esos vacíos, García compuso nuevas canciones donde toda su ira tenía un solo destinatario. Las letras son densas y acompañan a la perfección la atmósfera espectral creada por los sintetizadores. Es la primera aproximación de Charly a tango y también un guiño a Astor Piazzolla.

34. "No te desanimes" (Películas, 1977)

Casi 40 años después de su lanzamiento, la letra de “No te desanimes” puede parecer una canción de autoayuda, pero para quien la escuchó en tiempo real significó un manual de supervivencia urbana. Con un fondo musical victoriano que pinta el paisaje de la canción, los arreglos de cuerda son de Carlos Cutaia y también buena parte de la composición. El tema es una especie de “Eleanor Rigby” ciudadana y absolutamente arriesgado en la complejidad de sus cambios de ritmo: “Siempre me pareció muy loco, porque va del barroco a lo contemporáneo”, define ahora Cutaia. “Todo fue un bajón, lo único que queríamos era lanzar buenas vibraciones a la gente. Pero tampoco íbamos a hacer nada. Hubo un deleite musical en La Maquina. "

35. "Filosofía barata y zapatos de goma" (Filosofía barata y zapatos de goma, 1990)

Con mi corazón en mi mano. La canción que da título al disco en el que Charly se mira más y mejor a sí mismo, es una carta abierta a Marisa Zoca Pederneiras, su esposa desde hace más de quince años, quien un buen día recogió sus cosas y se fue. Se conocieron a fines de la década de 1970 en Brasil, cuando García se había instalado en Buzios con Serú Girán y Zoca trabajaba como mesera en un bar, y han estado juntos desde entonces. “En este torbellino donde nada importa, me sentí aliado y te perdí”, confiesa García, quien también pide perdón retroactivo, sin esperar respuesta: “No vi tu alma y quise tus venas”. Al final, las voces superpuestas de Lolita Torres son signos fantasmales de un adiós final.

36. "No me dejan salir" (Modern Clicks, 1983)

Este himno de divulgación democrática está montado sobre un ritmo disco y la muestra del característico grito de James Brown. La estructura de la canción es peculiar. Por un lado, parece un conjunto de varios estribillos, entre ellos el "Soy verde, no me dejan salir" que funciona como primer verso y leitmotiv; Contiene uno de los riffs más reconocibles de la obra de García, pero también una secuencia de arpegios muy compleja. Charly canta sobre la claustrofobia en un estado de celebración confusa. El videoclip es una síntesis del imaginario contracultural posdictadura: un Charly al estilo Duque Blanco frente a una comparsa de travestis y músicos de su banda, entre los que destaca un joven Fito Páez recién llegado de Rosario.

37. "Ojos de cinta de vídeo" (Modern clicks, 1983)

"Este es el único tema lento en Modern Clicks y se trata de alguien que empaca una maleta mientras otra persona mira televisión todo el día". Así presentó Charly “Ojos de videotape” en diciembre de 1983 en el Luna Park. Al igual que el cierre de El gordo de las capitales con “Canción de Hollywood”, García resuelve la despedida con una melodía cinematográfica y el efecto gradual que anticipa las últimas escenas amparadas por una frase definitiva: “El mundo se pone patas arriba mientras miras esos ojos de la cinta de vídeo ”. El Roland TR-808 establece el pulso donde el piano y la guitarra parecen disolverse. Los registros se escuchan en su totalidad, y en el caso de García, ese viejo axioma adquiere un carácter imperativo.

38. "No voy en tren" (Parte de religión, 1987)

Construido sobre un ritmo de caja inmerso en un efecto de reverberación y disparado con una caja de ritmos SP12 por el baterista Fernando Samalea, “No voy en tren” es una pista pop corrosiva y tensamente bailable cargada de un severo sentido autobiográfico. En medio de una brillante variedad de teclados chirriantes de cornetas y riffs de guitarra que son la base de su estructura, la canción (que fue una de las pistas que giraron más rápido en el álbum Part of Religion) exuda la arrogancia clásica de García, como si fuera a través de un par de canciones. líneas - "Porque no hay nadie a quien mi piel pueda resistir", "No necesito a nadie cerca" - Estaba tratando de dibujar un abismo con el resto de la humanidad.

39. "Fanky" (Cómo conseguir chicas, 1989)

Los primeros cinco segundos del adictivo riff -de Negro García López- con el que arranca la canción hacen referencia a El Mundo de Antonio Gasalla. En 1989, García le regaló la canción a su amigo Gasalla para que la usara en el telón del programa que estaba por comenzar. Después de "Don't Touch", "Fanky" fue elegido como el segundo sencillo de How To Get Girls. Ese mismo año, cuando Charly lo tocó en la presentación del disco en el Gran Rex, el actor le devolvió las cortesías y subió al escenario caracterizado como uno de los personajes del ciclo. Es una de las muchas canciones que elogió en inglés ("No puedo conseguir tu amor, enséñame cómo hacerlo") y, a petición del productor Joe Blaney, reescribió la letra en el estudio.

40. "¿Para quién estoy cantando entonces?" (Pequeñas anécdotas sobre instituciones, 1974)

La idea de Charly era incluir una versión musicalizada del Manifiesto Comunista en Instituciones. A sugerencia de la producción, descartó la idea y en cambio permitió una dosis de incorrección popular ("¿Para quién canto entonces si los humildes nunca me comprenden?"). El tema que cierra el disco es lo más parecido al Sui Generis de Life and Confessions: sintetizadores y con la armónica de Gieco abriendo el campo folk. La letra original que por suerte no llegó al disco permitió que sus rabietas adolescentes: “Y yo te canto, señor del reloj de oro. Sé que nada te cambiará, pero quiero que sepas que tu hijo no te quiere ”.

41. "Nuevos peinados raros" (Piano Bar, 1984)

Después de asistir a un show en CBGB y sentirse un poco ridículo, Charly decidió cortarse el pelo y afrontar la grabación de Modern Clicks más a tono con la moda. "El cabello era lo más importante en Nueva York", confesó más tarde y allí comenzó a gestarse uno de los temas clave de Piano Bar: el título de la canción se convirtió en una etiqueta para definir una década y la imagen de la enfermera García invertida. la carga del especialista (aviador) por la del ayudante leal. Un poco de amor, algo de razón y el estímulo del silencio sugiere la letra, casi un manual para mejorar el humor. Debajo, una melodía circular que el tiempo se transformó en una llamada a la acción.

42. "Ah, te vi entre las luces" (The Bird Making Machine, 1976)

La irrupción definitiva de Charly García en el rock progresivo encuentra su palmo más puro y denso en el disco debut de La Maquina. “Ah, te vi entre las luces”, el fascinante epílogo de once minutos que cierra esa obra, muestra lo que el compositor quiso decir con ser “el Sí del subdesarrollo”: este melodrama que se anuncia con la voz de García camuflada entre sintetizadores, órganos y un melotrón es también una imparable y tempestuosa metamorfosis, llevada por una magistral línea de bajo y las soberbias guitarras de Gustavo Bazterrica. Editado en 1976, antes del éxodo brasileño de Charly, parece ser la narrativa trágica de un país que se sumerge en su etapa más oscura.

43. "San Francisco y el lobo" (La grasa de los capiteles, 1979)

Este es uno de los mejores ejemplos del trabajo colaborativo entre Charly y David Lebón, que brindó algunos de los mejores momentos de Serú Girán. La música es de Lebón, una balada folclórica con reminiscencias clásicas, y la letra, abierta a múltiples interpretaciones, es de García. Probablemente esté inspirado en un poema de Rubén Darío, quien a su vez imaginó una segunda parte para la famosa leyenda de San Francisco de Asís y el lobo de Gubbio. La secuela (tanto de Darío como de García) incluye a un lobo que regresa a la jungla, herido por el mal humano. La canción es interpretada por David en acústica y voz, a la manera de McCartney en “Blackbird” (el tema que inspiró la música de Lebón para esta canción).

"Hice canciones a los 17 y hablé de cosas que no sabía", dijo Charly García en una entrevista en 2013. "Nunca había estado con una mujer, por ejemplo, e hice 'Quizás, por qué'". Grabado en 1972 en el primer álbum de Sui Generis, Vida, el tema es uno de los clásicos inolvidables de la hoguera grabados por el dúo. Sobre los arpegios de una guitarra acústica y el contrapunto de la guitarra eléctrica de Claudio Gabis (entonces parte de La Pesada del Rock & Roll), Charly compone una canción de amor imaginaria, con una letra inocente, conmovedora y casi susurrada, mientras de fondo las notas de blues de la guitarra de Gabis resquebraja sutilmente la puesta en escena de esa fantasía adolescente.

45. "Perro andaluz" (La grasa de los capiteles, 1979)

Más allá de la aguda ironía que caracteriza a Fat of the Capitals, el segundo disco de Serú también está atravesado por la paranoia, la soledad y la decepción. "Perro Andaluz" es la historia de un amor que está a punto de acabar, contada por un ilustrado García que juega con el simbolismo del perro faldero y cita al visionario Luis Buñuel. En la sencillez musical del inicio de la canción y en su instrumentación jazz-progresiva, el público encontró al compositor que más echaba de menos, tras algunas críticas que habían aparecido tras el lanzamiento del primer disco de la banda, en el que se había vuelto más complejo. . El resto. La única alteración es el conjunto que García hace en el medio, que son fragmentos de una vieja canción compuesta en su adolescencia.

46. ​​“Instituciones” (Pequeñas anécdotas sobre instituciones, 1974)

El tercer álbum de Sui Generis comienza su andadura contra las clases establecidas con esta visión crítica de la institución familiar y la idea de que la barbarie comienza realmente en casa. "Instituciones", la canción, es una versión más impactante que el inocente "Aprendizaje", una mirada astuta a las imposiciones sociales y al machismo imperante en una Argentina que cree estar todavía en los primeros años sesenta. Charly usa su arsenal de sintetizadores recién adquiridos para resaltar más planes sinfónicos: Sí, Genesis y Emerson Lake & Palmer se encuentran entre sus influencias. Bertolt Brecht también sirve de modelo para hacer señales de alerta y delinear el estado de cosas con tono teatral, sin apelar al panfleto ni a la protesta inocua.

En un caótico proceso de grabación (no se sabe con certeza qué toma quedará del disco), es muy probable que la voz que se escucha en “Cuchillos”, una canción de amor agonizante dedicada a Mercedes Sosa, haya sido grabada en la bañera de La Diosa Salvaje bajo el concepto de caos organizado en el que García vivía en esos días. "Eran las 6 de la mañana y me dijo que quería grabar en la ducha", recuerda Guido Nisenson. "Tuve que tirar de varios cables de la consola para poder escuchar las bases mientras cantaba". Para el productor Joe Blaney, los teclados sueltos y libres, casi tocados como si fuera un músico de jazz, y la voz apasionada, hacen de esta canción una de las mejores canciones de la discografía de García.

48. “Mientras miro las nuevas olas” (Bicycle, 1980)

Con bravuconería, ironía y conservadurismo, Charly saludó a la naciente New Wave. Puro poder de síntesis para unir a Elvis, el Clan Club y explicar el movimiento cíclico del rock, pero también para situar a Serú Girán en un nuevo contexto. La reacción es un rock and roll refinado basado en juegos vocales, guitarras cargadas y precisos cambios de ritmo. “Algunos se sintieron conmovidos porque abrazaron con vehemencia la Nueva Ola. Y sí, la canción habla de la New Wave, de The Knack: digo que la había visto antes, porque tenía muchos puntos en común con Palito Ortega y el Club del Clan ”, dijo Charly a RS. La letra original incluía una mención de Billy Bond, que finalmente fue reemplazada por el nombre Jolly Land.

“La idea surgió imaginando grandes valores del tango, pero en el futuro: con todos ahí”, le dijo Charly al periodista Sergio Marchi para su libro No digas nada. “Todo el ambiente con pelucas, y tomando bebidas exóticas de colores verde y rojo. Y cada vez que uno muere, se pone un pecho, por ejemplo le hacen transfusiones de sangre a los que están muy destrozados. A la descripción se suma el fantasma de Carlos Gardel y la atmósfera drogada entre las brumas del tango y los nuevos aires del rock oscuro, pero sobre todo está la exaltación de un limbo secreto, el cabaret marginal de los rockeros que permanece intacto y continúa. superando lo que pasa afuera, mientras "las chicas tienen un lugar donde viven estas cosas asombrosas".

50. “Chipi Chipi” (La hija de la lágrima, 1994)

Charly ya había terminado The Daughter of the Tear, su séptimo álbum en solitario con un desarrollo de ópera rock, cuando los ejecutivos de Sony le pidieron que agregara una canción con el exitoso ADN para lanzar como un corte de transmisión. García obedeció y en pocos minutos compuso "Chipi Chipi" (su nombre original era "La canción sin fin"), ese éxito instantáneo que destaca como en 3D dentro de un disco cargado de lapsos instrumentales con altas dosis de experimentación. Junto a la voz y guitarra de María Gabriela Epumer –que se había sumado en sustitución de Hilda Lizarazu y Negro García López–, Charly logra una pieza pop inquebrantable al mando de su piano, jugando con las intensidades y destilando un fuerte aroma de nostalgia.

51. "Para degustar vino y agua salada" (The Bird Making Machine 1976)

El placer y el castigo mueven las intenciones de Charly en uno de los momentos cumbre del debut de La Maquina. Folk y progresivo a la vez, 'Por trial ...' muestra el lado sutil del quinteto que se revela en la guitarra acústica de Gustavo Bazterrica y en la voz de García, mucho más seguro en su papel de cantante. La letra funciona como una vieja historia en la que la crisis y el poder sugieren conexiones con el primer año de la dictadura de Videla ('Los cucús lloran, los periódicos nunca salen'). Pero, más allá de las alegorías, hay conexiones con 'El rey lloró' de Los Gatos y una idea de liberación en días difíciles para estallidos de rebelión.

Lanzado en el álbum debut de Serú Girán, 'Seminare' surgió durante las vacaciones de Charly García y David Lebón en Buzios, antes de que formaran la banda. Con la melodía de una ópera que García había escrito en el instituto, esta frágil balada cantada por Lebón (que se llamaría 'La calle de la sensación') gravita sobre el piano de Charly, que entra sigilosamente y aumenta la intensidad hasta que explota con un Moog progresivo al estilo de Emerson, Lake & Palmer, junto con arreglos de la Filarmónica de Los Ángeles. La frase 'esas motos que van a mil, solo el viento te hará sentir' acaba por decretar la épica amorosa de un clásico absoluto.

La contundente respuesta de Charly García a una simple reseña que escribió Patricia Perea, periodista cordobesa, sobre un concierto de Serú Girán. Lo que realmente le molestó a García fue que Perea trabajaba y salía con Daniel Grinbank, su representante, con quien García tenía una relación históricamente conflictiva. Fue el fin de la dictadura, y la ironía se extendió a los mecanismos de censura de la época, aplicando un ruido molesto a la palabra 'huevos'. “Con el 'bip' queríamos mostrar lo grosera que puede ser la censura a nivel auditivo. Como una gracia zapana ”, dijo García. Una historia de amor, ironía y odio como punto de partida de una canción tan grande como su leyenda.

54. “El espectáculo de los muertos” (Pequeñas anécdotas sobre las instituciones 1974)

El horror que impuso Triple A inspiró el clima oscuro que domina varios momentos de Instituciones. Eran tiempos de lucha armada y terrorismo de Estado, un teatro de operaciones dantesco que García rompe con rigor documental y gracia onírica. 'El espectáculo de los muertos' es un blues psicodélico, colgante y espacial, armado con las preguntas de los inocentes ('¿Cuántas veces tendré que morir para ser siempre yo? Después de asesinar sin saber y se ríe en casa'). Uno de los mejores retratos de época que, por su poder atemporal, brilló en Puerto Madero durante el masivo concierto de 1999, y forma parte del disco en vivo Demasiado ego.

55. “No te atreves a despegar” (Piano Bar 1984)

Originalmente conocida como 'vía muerta' esta canción es Charly hablando directamente a Fabiana Cantilo, y aunque refleja el problema de adicción de la cantante, también invoca un amor que en esos días permanecía en los brazos de Fito Páez. Más allá de las alusiones y los destinatarios, 'No te dare a despegar' es un trip-hop inicial y una de las actuaciones más emocionantes de García. Algo de ese clima se puede ver en el video de la canción grabada en las sesiones de Piano Bar: García aparece primero dirigiendo la iluminación con movimientos de brazos. La intensidad crece en la guitarra de Pablo Guyot y en las contorsiones de Charly ante cada nota hiriente.

56. “Siempre se puede olvidar” (Filosofía barata y zapatos de goma 1990)

La obra maestra de Filosofía barata ... no se escribió: adoptó su forma circular en tiempo real, con García sentado al piano en su búnker de Barrio Norte, desangrado por la partida de Zóca, y Fabiana Cantilo dirigiendo la energía y la desolación del momento. Como ya había sucedido con otra joya colaborativa como 'A Point to Fall', incluida en How to Get Girls, García comparte autoría con Fabi y encuentra su aliado perfecto en el delicado arte de capturar atmósferas para solidificarlas en música sin fecha de caducidad. De paso, profundiza en un tema que lo ha perseguido desde que descubrió "Hay un lugar" de los Beatles: armonías vocales poco convencionales e hipnóticamente perfectas.

57. "Loco, ¿no tienes una moneda de sobra?" (Billy Bond y los Jets 1978)

Una zapada de calentamiento -con cierto aire de tango y una oda a Pappo- que podría ser una postal sonora de la bohemia porteña de los 70, se convirtió en el inédito más preciado para los seguidores de García. Serú Girán lo tocó durante su estancia en Brasil, en las sesiones de estudio. Billy Bond, productor del primer disco del grupo, al ver que lo iban a dejar fuera del disco, le pidió a García que se lo diera para su proyecto Billy Bond & The Jets. "Serú estaba en mutación, en otro estilo", dice Billy. “El virtuosismo individual de David, Pedro y Moro, junto con el talento compositivo de Charly, les dio la oportunidad de hacer música diferenciada que requería un estilo más sofisticado y elaborado”. También fue grabado por Los Enanitos Verdes y Fito Paéz.

58. "Monday Again" (Confesiones de invierno 1973)

Si en 1984, en 'Lunes por la mañana' Miguel Abuelo cantaba sobre un forastero que salía de noche a pasear por la ciudad vacía con desesperada excitación, la mirada sobre la ciudad de Sui Generis a principios de los 70 parecía más triste e inofensiva. Charly y Nito compusieron una viñeta de costumbres folclóricas, armonías vocales y una producción de guitarra casi country, que veía el inicio de la semana como el minuto cero del bucle de alienación en el que vivía la sociedad de la generación de sus padres. 'Sobre el bosque gris veo morir el sol, que mañana nacerá en la avenida', cantaron a dúo. Aunque la letra mantuvo la inocencia de Vida, el segundo álbum del grupo mostró el crecimiento de Charly en la composición de esas óperas folclóricas acústicas.

59. “De mí” (Filosofía barata y zapatos de goma 1990)

El yin-yang según Charly García la dualidad de cosas aplicada a su propia personalidad, que puede transformarlo en el hombre más estimulante del mundo o en el que en ocasiones conviene evitar. Charly advierte, y el que advierte no traiciona: a menos que su mirada esté 'en otra parte', podemos contar con él para lo que sea. Una disculpa pública que también marca territorio. Tiempo después, Mercedes Sosa recogió el guante: grabó 'De me' en ese disco tan extraño que era 'Alta fidelidad', y desde entonces lo ha incluido en su repertorio. "Ella era mi amiga, mi madre y mi novia", dijo Charly sobre Mercedes, la voz más poderosa de la Tierra que hizo suya esta oración de amor y redención.

60. "Assassinate me" (Rock and roll me 2003)

Una caja de ritmos, un par de efectos FX sobre un colchón de teclados, un riff épico y la participación en el clip de los protagonistas de Resistiré (Celeste Cid y Pablo Echarri), la telenovela más vista en Argentina de ese año, pone el Rock. y rodar solo en los labios de todos. Después de varios años al borde del abismo, la planta creativa de García parece estar intacta. Pero la canción es solo un destello de lucidez en un álbum desigual. En tiempos de secuestros exprés y asaltos con toma de rehenes, García dijo que no quería vivir con la puerta cerrada como en la película Brasil y pidió ser asesinado por amor ('Por darte lo que di, me convertí en un souvenir '). En los segundos finales, recita "Nunca me das tu dinero" de los Beatles.

61. “La sal no sala” (La hija de la lágrima 1994)

Mientras grababa una especie de ópera rock conceptual en ION, Charly telefoneó a Juanse una noche para invitarlo a las sesiones. "Respondí a la llamada y al cabo de un rato me recogió una limusina", recuerda el ex Paranoid Mice. Cuando llegó, Charly había ambientado el pasillo del estudio con luces de colores y se encerraron en la cabina de control con Zorrito Von Quintiero al bajo y Fernando Samalea a la batería para componer una canción al mismo tiempo que la grababa, obligándolos a improvisar. en un boceto mínimo y dando a la pista un espíritu zapada. “Sé que a Charly no le gusta que se llene de música en solitario así que fui muy discreto”, dice Juanse, quien también canta sobre el tema. "La línea de la guitarra son notas simples que le dan personalidad a la canción".

Completando una trilogía de discos a dúo -tras la edición de Tango y Radio Pinti-, Charly García y Pedro Aznar abren esta entrega con 'Tu amor', canción que rápidamente se convertiría en su último gran éxito juntos. En ese momento, Charly acababa de pasar por una hospitalización por problemas de adicción en Estados Unidos (los dibujos que ilustran la portada formaban parte del trabajo durante su terapia), y el encuentro creativo con Aznar sonaba a renacimiento. La canción, con una pulcritud pop mucho más cercana al perfil del bajista, es una pieza de intensidad luminosa donde el dúo luce intercambiando versos a la Lennon & McCartney sobre una melodía redonda y pegadiza.

“En las confesiones invernales me había vuelto medio hippie, tenía el pelo muy largo, me habían empezado a pasar cosas”, dijo Charly en una entrevista, contrastando ese segundo conjunto de canciones con la ingenuidad de las composiciones de Vida. En esos días, tenían 24 años con Nito, y cada vez que la policía los paraba en la calle, les cortaban el pelo y terminaban en una celda. Charly había empezado a salir con María Rosa Yorio y, por la tarde, mientras sus suegros tomaban la siesta y ella iba al colegio, él se quedaba en la habitación y componía este estándar que se iba a viralizar en la música. Clases de todas las escuelas primarias. Charly y Nito armonizan sus voces y cantan como si se negaran a crecer dentro de esta sociedad.

64. “Rap del exilio” (Piano Bar 1984)

Charly tuvo un coqueteo con el rap en The Fat of the Capitals, pero con esta canción se metió de lleno, y medio por casualidad, con un estilo que le había encantado en Nueva York. A la hora de abordar la grabación de Piano Bar, García reunió en los estudios ION a su banda formada por los futuros GIT y un joven Fito Páez a los teclados. El baterista Willy Iturri recuerda: “Hacer el Piano Bar fue una locura. Grabamos todos en la misma sala, y en una de esas zapadas al portugués Da Silva se le ocurrió REC mientras Charly improvisaba la letra y nos dirigía, por eso en un momento escuchas: '¡Sigue el ritmo, Willy Iturri!' Años más tarde García y Aznar producirían un disco de rap con Enrique Pinti en el que también participaron algunos recién fundados IKV.

65. "Parte de la religión" (Parte de la religión, 1987)

La canción que da nombre al cuarto disco en solitario de Charly García desencadena un tema -el de la búsqueda de la calma espiritual y la fe- que transpira de forma intermitente a lo largo de la obra. Grabado casi en su totalidad en Buenos Aires, a excepción de la batería acústica de Fernando Samalea (que se grabó en Electric Lady, Nueva York), la canción se introduce con un aroma multiétnico -entre piccolos, percusiones, sitar y teclados pomposos- mientras García sobrevuela. las diferentes religiones a través de un puñado de personajes, con ironía y una mirada cinematográfica aguda. "Es una mirada a los diferentes traumas, que al final se rompen cuando ella se desnuda y todo se pudre", dijo García.

66. "Cómo me gustaría ser negro" (Moro-Satragni 1983)

Tras la disolución de Serú Girán, el baterista Oscar Moro se alió con Beto Satragni -que venía de Spinetta Jade- para un proyecto conjunto que sufrió un breve recorrido y dejó un solo disco. Ese material, publicado en 1983, cuenta con la participación de figuras como Lebón, Spinetta y el propio García, quienes aportaron este tema algo perdido de su catálogo. 'How I would like to be black', que solía tocar en vivo antes de la edición de Going from the bed to the living room, condensa el sonido progresivo de la época, con bajos y bases cambiantes, y teclados que disparan al cielo como haces de luz, mientras García suelta un texto de aguda ironía durante el último suspiro del gobierno militar.

67. “Crazy Boots” (Pequeñas anécdotas sobre las instituciones 1974 -censuradas-)

'Crazy boots' es una de las dos canciones (LA otra es 'Song for my death') inspirada en el breve paso de García por el servicio militar. Es un folk acústico, que en realidad está bastante desvinculado musicalmente del elaborado clima de Instituciones (esto revela que había sido compuesto algún tiempo antes), donde Charly ejerce su fino sentido de la ironía a través del absurdo, criticando en este caso al Ejército ( una de sus frases clave es 'si ellos son la patria, yo soy un extranjero'). La canción, junto con 'Juan Repression' -probablemente las dos más explícitas-, quedó fuera del disco Instituciones, pero Charly logró pasar de contrabando un verso en 'Zapando con la gente', de Adiós Sui Generis.

68. "Superhéroes" (Pasar de la cama al salón 1982)

Después de reencontrarse para grabar 10/20, el exitoso álbum en solitario de Mestre, Charly y Nito se reencontraron en un estudio - siete años después de la disolución de Sui Géneris - para grabar la segunda pista de Yendo de la cama al living. En esta canción de esencia nostálgica sostenida por un dulce ritmo de samba -impulsada por una caja de ritmos TR-808- la prosa de García incita al movimiento en medio de un paisaje militar en pleno declive ('No pasa nada, no pasa / Solo a military band / Desafiando el tiempo y el compás '), mientras que el clásico predominio vocal del dúo parecía avanzar en terreno desconocido, entre teclados y brillantes sintetizadores como rasgos de una nueva era.

69. “Solo un poquito más” (Cheap Philosophy and Rubber Shoes 1990)

El tipo de coro que el público de García nunca se cansaba de aplaudir desde sus conciertos de principios de los noventa. Un año después del estreno de Filosofía barata ..., García fue ingresado por primera vez en medio de un escándalo público y mediado que lo sacó temporalmente de los escenarios. A su regreso, 'Just a Little Bit No More' ya se había transformado en un verdadero himno. La estrofa en inglés está dirigida por Joe Blaney y es solo una excusa para dar paso al coro de chicas, las 'New York Blondes' (que en realidad son Hilda Lizarazu y Fabi Cantilo), a quienes Charly asegura haber visto en un viaje. en plena fantasía gardeliana.

70. "Estaba en llamas cuando me fui a la cama" (Say No More 1996)

El primer tema de say no more -un disco que propone un desarrollo mucho más caótico y experimental que La hija de la tear, su antecesora-, encuentra su detonante en Todo lo que hace sin saber por qué, el libro de Robert Fulghum que recibió García de un musicoterapeuta durante su reciente hospitalización por adicción. 'Estaba en llamas cuando me fui a la cama' es la respuesta que encuentra el protagonista cuando se le pregunta por qué se había incendiado su casa; García -arriendo sus años de excesos- utiliza esa línea para construir una canción densa y oscura, con bases rotas y orquestaciones melodramáticas, como si fuera el vestíbulo de entrada a su convulsa vida.

71. "Marilyn, Cenicienta y las mujeres" (Películas 1977)

Los temas cinematográficos de la película incluyen un drama femenino con Marilyn Monroe en el papel protagonista. No es una elección casual: Charly es fanático de Hollywood en los años 40 y 50, y Billy Wilder es uno de sus directores favoritos. 'Con la falda blanca flotando en el viento la ves / En el underground nació ella', dice la letra en clara alusión al clásico The Itch of the Seventh Year. La cita lleva al conflicto de la canción: la fama, su costo y la mujer como objeto. Todo encerrado en una sinfonía cambiante que comienza con los primeros acordes del estándar 'Somewhere over the Rainbow' e incluye guitarras pesadas y un coro infantil bautizado como 'Los desamparados de Once'.

72. “El tuerto y el ciego” (Pequeñas anécdotas sobre instituciones 1974)

El mito griego de Casandra sirve para elaborar otro ataque al productor Jorge Álvarez. La sacerdotisa tuvo el don profético y también la desgracia de que sus dichos no fueron tomados en cuenta. García utiliza la leyenda casi del final de la grabación de Instituciones y construye una perfecta miniatura de dos minutos: el violín mágico de Jorge Pinchevsky impone aires gitanos para un canto de incomprensión, venganza y gran belleza. Varios años después su autor reconocería que "Instituciones es mejor cómo salió que cómo hubiera sido con la letra original ...". El tiempo le dio la razón a Álvarez, quien salvó al dúo de un suicidio público en los últimos tormentosos días del gobierno de Isabel Perón.

73. "Mi amor no se va a llamar" (Piano Bar 1984)

Con una estética casi opuesta a la de los clicks, este hit de Piano Bar es una muestra de la explosión de energía de aquel disco grabado en directo en estudio, sobre todo en primeras tomas, con un grupo extraordinario (Guyot, Iturri, Toth, Páez) . Un García en estado de gracia aprovecha algún revés ocasional (Sadaic no aceptó dos canciones con el mismo título y rechazó el original 'Mi amor') para convertirlo en leitmotiv: 'Estás prohibido ... no puedo amar tu ... mi amor, no se va a llamar. Con un estribillo repetitivo, apoyado por la aplastante batería de Iturri, Charly -quien también se hace cargo de la guitarra acústica- lanza un pedido que, convencidos de la urgencia casi palpable de la canción, los programadores harían realidad: 'Pásenlo en la radio' .

74. "Necesito tu amor" (Parte de religión 1987)

El primer tema de Parte de la Religion, elegido para abrir los shows de la gira de presentación del disco, resuena como un gran pedido de ayuda. Tras una introducción tensa y marcial junto a los tambores cruzados de Fernando Samalea, las guitarras cristalinas y un bajo Rickenbaker interpretado por el propio García arrastran la canción hasta que sale en un coro potente y catártico. Como gesto que se repetirá a lo largo del disco, Charly propone aquí un cambio sustancial en relación a sus trabajos anteriores: su voz -registrada en Nueva York “con micrófonos cuadrados del año 40 al estilo Frank Sinatra”, según García - se proyecta en un primer plano definitivo, subrayando un texto de amor ardiente y desesperado.

75. “Sr. Jones o una pequeña apariencia de una familia tipo americana ”(Winter Confessions 1978)

Antes del punk, García destiló su hiperácida visión anti-sistema en un furioso rock & roll de ... 1'40!, Con David Lebón al bajo y guitarra eléctrica, y Juan Rodríguez a la batería. La vida de la 'familia de tipo estadounidense' del título se interrumpe inesperadamente cuando la esposa del Sr. Jones clava un hacha en la cabeza de su suegra porque ella 'puso mal la mesa'. Finalmente, toda la familia es encarcelada, ante la incredulidad del propio Sr. Jones, que aparece al final quejándose porque lo están llevando al destacamento ('¡Somos una familia muy normal!'). Una historia de violencia familiar en clave de sátira, y uno de los momentos más eléctricos de Sui Generis.

76. “Alguien en el mundo piensa en mí” (Say No More 1996)

Dentro del esquema anárquico que controlaba la concepción total de SNM, un álbum atravesado por un concepto incontinente de creación y sin un plan definido, 'Alguien en el mundo piensa en mí' aparece como el único período pop-rock dentro de tanto experimento. Por un momento, Charly García asume los bordes oscuros de su personalidad intempestiva y tormentosa con un coro esperanzado y optimista, mientras su banda -con Mario Serra a la batería, María Gabriela Epumer a la guitarra, Rinaldo Rafanelli al bajo, más una serie de Overdubs entre armónicas, teclados y efectos - logra elevarlo, llevarlo a un plano en movimiento y hacer que brille como un cristal perdido en medio del barro.

Si 'Song for my death' abre el disco debut de Sui Generis con un tímido rasgueo y cierta melancolía de futuro, el segundo tema tiene un pulso mucho más urgente y vital. Luego de una introducción con Charly García sentado al piano y Nito Mestre tocando la flauta transversal, el dúo comenzó a modelar a la mujer perfecta para sus vidas con un romanticismo absolutamente infantil, distribuyendo versos que describen sus cualidades a dúo: 'Que limpie mi cabeza / Que cocine los guisos de mamá, los postres de la abuela y las torres de caramelo. “Habíamos clavado los mazos de piano para darle ese sonido vaquero, de piano”, recuerda el baterista Francisco 'Paco' Prati. "Eso le dio a cada tecla una fuerza particular, un sonido más metálico".

78. "El rap de las hormigas" (Parte de religión 1987)

En medio de un horario de grabación dividido entre Buenos Aires, Río de Janeiro y Nueva York como mapa de ruta de Part of Religion, 'El rap de las ants' fue la única canción que tuvo su corte final en Brasil, con la inclusión de Os Paralamas do Sucesso en una sola toma de bajo, batería y guitarra. La canción, que Charly compuso durante su estancia en una casa de campo con Fabiana Cantilo, exhala una lírica histérica en busca de un éxodo feliz mientras el 'Hollyday on ice' vibra con presencia debajo, un banco de sonidos de Emulator que casi se utilizó. para todo el disco-, disparando un gran número de samples entre explosiones, pitos, tambores y maracas, dando a la canción un vuelo carioca sin precedentes.

79. "¿Qué se puede hacer excepto ver películas" (Films 1977)

El bajo de José Luis Fernandez cita Steely Dan al principio ('Rikki Don't Lose That Number') y la cadencia gobierna con la guitarra latina de Bazterrica antes del ascenso a la montaña rusa de bares. "La música es mía y las letras son de Charly", dice el teclista Carlos Cutaia. “La canción tiene partes que están en 9x8, compases muy difíciles. Moro, un genio total: abordó la complejidad rítmica con una precisión impresionante. Esta pequeña sinfonía del segundo y último disco de La Máquina incluye un diálogo de la película argentina Casa de Muñecas. El tema se completa en la imagen de portada del disco: los músicos abandonan el cine Gran Rex, que anuncia la proyección de Alfred. La trama macabra de Hitchcock.

80. "Anhedonia" (Cómo conseguir chicas 1989)

La gira Part of Religion en 1988 había sido muy agotadora. Al año siguiente, mientras Argentina comenzaba a vivir el declive de la era alfonsinista, Charly García compuso algunas de las densas canciones de amor que formarían parte de Cómo conseguir chicas, una obra conceptual que, según él, tiene como eje los derechos. De mujer . El título de la canción que abre la cara B del álbum hace referencia a uno de los principales síntomas de la depresión: un trastorno psiquiátrico que consiste en la incapacidad de experimentar placer ('El tiempo vuelve a pasar, pero no hay primavera en Anhedonia. Llora de nuevo' ). 'Anhedonia' podría ser el prólogo de la caótica y oscura era de Say No More, que atravesará García durante la próxima década.

81. "Reloj de plastilina" (Filosofía barata y zapatos de goma 1990)

La historia de su vida en modo existencialismo autorreferencial. 'Fui lo que creí, soy lo que está pasando', canta García para enunciar una de sus frases más inspiradas, esas que lo elevan como un gran letrista, con conciencia carnal. 'Plasticine Clock' es un choque de vitalidad, el clásico que no abrazó a las masas (el gran éxito de Cheap Philosophy ... fue la portada de The Byrds 'Me siento mucho mejor') pero que todo fan de Charly atesora en su personal. clasificación. 'Una vez pensé que no me iba a pasar nada', ironiza al inicio de esta vigorizante llamada al desorden que desafía el paso del tiempo y todo lo que se interpone entre la vida en sociedad y las libertades individuales.

82. “Bienvenidos al tren” (Confesiones de invierno 1973)

En la segunda pista de Winter Confessions, Sui Generis asimila varias tradiciones icónicas del rock & roll: folk de cantina, solo de armónica, un héroe en fuga y la fantasía hippie de tomar un tren hacia la libertad. Grabado en ocho canales y con una producción que potenció la fuerza acústica del grupo, el crecimiento de Sui Generis se nota sobre todo en la construcción instrumental de las canciones y el entrelazamiento de las guitarras. 'Recoge tus cosas y lárgate de aquí', canta Nito Mestre al comienzo de la canción, y es una invitación a abandonar las grises obligaciones de la vida en sociedad en busca de aventuras existenciales. León Gieco, que acababa de terminar su disco debut, grabó la armónica.

83. "A punto de caer" (Cómo conseguir chicas 1989)

Fabiana Cantilo quiso repetir la historia de 'Siempre se puede olvidar', la canción que había hecho con García una noche tarde mientras lo visitaba en su casa, y al mismo tiempo grababa algunas voces para How to Get Girls, sugirió que hicieran otra canción juntos. “Fabi comenzó a tocar melodías mientras Charly ponía hermosas armonías. Fue muy emotivo ver eso ”, dijo Hilda Lizarazu en una entrevista. García tomó algunos fragmentos de esas grabaciones, insertó una guitarra de doce cuerdas, le pidió a Claudio Gabis que agregara un solo y le dio forma a unas letras esperanzadoras. Por momentos la voz de García parece elevarse al cielo ('Salta y sé feliz. Prueba. Por qué fingir') sobre una base de batería inalterable y un colchón de teclados y sintetizadores.

84. "Tickets, pases y fertilizantes" (The Bird Making Machine 1976)

Primer acercamiento de García a su eterno conflicto con la fama: “Pronto en esta ciudad me nombrarán ciudadano legal, como tú. Soy el hijo de todos y el amante también ”, dice la letra de un funk anodino, luchador y de ritmo matemático. En la segunda parte, la canción se transforma, como ahora apunta Carlos Cutaia, “en un gran rock and roll, con una energía que te mantenía en el aire”. Cutaia tocó allí el Hammond y el melotrón, dando lugar a uno de esos duelos teclistas con Charly y explorando fronteras hasta ahora desconocidas para el rock argentino. En esa empatía se sustentaba el "Sí del subdesarrollo", una banda que construía catedrales del sonido en el año del golpe.

85. "El karma de vivir en el sur" (Parte de la religión 1987)

Para trazar la arquitectura general de Part of Religion, Charly había grabado junto al ingeniero de sonido Mario Breuer una serie de modelos que se respetaron casi exactamente en la versión final. 'El karma de vivir en el sur' sobrevive íntegramente de ese primer boceto, salvo la resta de un pasaje instrumental grabado con sintetizador por Nito Mestre. Sostenida por un clima sigiloso construido al detalle, entre un piano, una guitarra reverberante y samples de flautas, la canción está dedicada a su hijo Migue, en ese momento un chico con el que Charly había vuelto a convivir después de mucho tiempo. "Está hecho para mi hijo", dijo. "Pero en realidad se puede usar para hablar de cualquier amor".

86. “Canción de dos en tres” (Pasando de la cama al salón 1982)

Como una de las piezas más sobrias y melancólicas de Pasando de la cama al salón, 'Canción de dos por tres' condensa la espesa atmósfera del fin del gobierno militar y la Guerra de Malvinas con un tono manso pero opresivo. 'Ya no quiero vivir así, repitiendo las agonías del pasado', canta Charly sobre una ligera orquestación construida en soledad por un piano con inflexiones suburbanas, notas de un Moog Opus 3, una línea de bajo eléctrico y un pesado base de tambor programada. El único aporte externo lo paga Spinetta, quien graba un solo de guitarra voladora procesado con un Roland GR-300, en una coda instrumental que recuerda la asociación entre García y David Lebón en Serú Girán.

87. "Necesito un objetivo" (Say No More 1996)

'Necesito un gol' fue compuesta por García a mediados de los 80 y retomado diez años después para Say No More con Andrés Calamaro. "Fundamentalmente, lo hicimos una noche en la casa de Charly, en esas urbanas Sótano Tapes", recuerda Calamaro. Como un verdadero experimento de copiar y pegar grabado en un puerto de estudio de cuatro canales, la versión final conserva las pistas vocales originales junto con las nuevas del dúo, creando una atmósfera confusa, entre un bandoneón de Samalea, el bajo de Rinaldo Rafanelli y un sinfín de efectos y conversaciones superpuestas. . Posteriormente, el proceso tuvo una segunda etapa en Madrid donde Charly continuó agregando sobregrabaciones, transformándolo en un abigarrado collage sonoro.

88. "Don't touch" (Cómo conseguir chicas 1989)

La grabación de cómo conseguir chicas, dice el productor Joe Blaney, fue una pesadilla. "Todo resultó ser un gran comienzo, pero Charly estaba en un estado muy tóxico y no durmió durante tres días". García quería grabar un disco con todas las letras en inglés, pero Blaney pensó que muchas canciones iban a perder su significado y de inmediato desactivó la idea. Para la versión final de esta canción de ambiente punk que abre el disco, y que unos años antes había registrado con el nombre 'No token (No cospel)' en una demo que aún se puede escuchar en YouTube, García reemplazó una parte de la letra original que decía 'Estoy muerto, estoy muerto, no me toques' por otra frase que terminaría cambiando todo el significado, 'están muertos, están muertos, no me toques' .

89. “Say No More” (Say No More 1996)

El nombre proviene de una frase pronunciada por Paul McCartney en la película de los Beatles Help !, y se convierte en etiqueta, icono, concepto, logo (SNM) y canción oscura de un alma torturada. García quiere convertirse en un artista conceptual y se reencarna como un personaje que ronda por Dalí, Prince y Keith Richards. En 1995, casi al mismo tiempo que Spinetta grababa el doble disco con Los Socios del Desierto, García ingresó a La Diosa Salvaje para iniciar la era Say No More. “Las dos frases que más recuerdo de esa época son: 'Mira cómo me cago en esta canción' y '¡Dame un canal más y lo arreglaré todo!', Dice Guido Nisenson, ingeniero de sonido. “Y fue así, literalmente. Había hermosas canciones, tocadas en el piano, que las hacían cagar. "

90. "Zocacola" (Cómo conseguir chicas 1989)

La cadencia de la canción en portugués de Herbert Vianna, voz y guitarra de Os Paralamas (que ya había grabado 'El rap de las ants' en Parte de religión), contrastando con la de Charly a lo largo de toda la canción, endulza una fábula de amor. malentendidos ('Ella mira en el jazmín, él la busca en la ciudad. Ella sueña con encontrar, él intenta soñar pero ella no está'). Inspirado por Zoca, la musa de 'Promises on the bidet' y la que en Part of Religion daba vueltas al frigorífico en busca de un símbolo de paz, Charly pone letra a una canción llena de romanticismo que llevaba seis años tocando en una versión instrumental, aceleró un tempo más que la versión que aparece en el álbum.

91. "Rock and roll me" (Rock and roll me 2003)

El problema no era el sexo y las drogas, sino el rock & roll. Todas las canciones de García, de alguna manera, comienzan con un "yo" como lenguaje. “Me gusta el rifF, la estructura de la canción y la interpretación. Hay una cita para el tango antes del final: pongo un sello de porteñidad en mi rock & roll ”, contó García a Rolling Stone sobre el tema que eligió como una de las diez canciones favoritas de su discografía. Entre el caos organizado de la etapa de grabación de Say No More y la búsqueda de la perfección sonora en Influencia, un poderoso rifF retuerce una letra en modo autorreferencial ('This is my rock and roll me') con el vocalista de García, que parece cantar desde una cueva.

La canción tiene sonido ambiental: el aullido nervioso de una motocicleta Honda 500 (del productor Oscar López) se mezcla con el molesto ruido de las bocinas. Es la ciudad en bruto y el mapa de operaciones de la 'Ruta perdedora'. Aunque parezca un comienzo pianístico típico de García, la música pertenece al bajista José Luis Fernández, y es quizás uno de los temas más impregnados de la vena progresiva de La Maquina de Make Pájaros: la variedad de arreglos y el crescendo en el fin no hace ninguna otra diferencia. lo que se traduce en sonido un vuelo hacia adelante y a toda velocidad. En 1977, Charly le dijo a la revista Pelo que la letra intentaba explicar “que el rock no es un paraíso, puede ser todo lo contrario: una ruta que va a cualquier parte”.

93. "Band-Aids" (Filosofía barata y zapatos de goma 1990)

La canción que nunca va a animar un fogón, cuyo punto de partida es lo que le pasa a Charly cuando no puede sacarse a Zoca de la cabeza y no puede y no quiere dormir. 'Ya no soy yo', escupe nervioso, ignorando todas las leyes semánticas, entre otras crudas confesiones matutinas: 'Todo el mundo tiene penas, pero yo ya echo de menos tus problemas'. 'Curitas' es un funk agudo en estado de insomnio, comandado por el bajo de Fernando Lupano, la precisión de Fernando Samalea, las guitarras de Negro García López y las castañuelas de Lolita Torres. Los arreglos de viento sintetizados traen información del futuro, como la melodía de 'Kurosawa' (más tarde incluida en The Daughter of the Tear).

94. “Lo que ves es lo que hay” (El aguante 1998)

La grabación de El aguante, en un estudio de Madrid en 1997, se produjo en un clima que Claudio Gabis, guitarrista invitado, recuerda como una 'fiesta dantesca'. Bajo un estado tóxico y siguiendo criterios que ninguno de sus músicos podía entender, García superpuso capas de sonido y luego armó la versión final de las canciones cortando y pegando frases, acordes y texturas que terminaron dando forma a un collage sonoro. Basado en el 'concepto constante', heredado de SNM, grabó esta canción que había asustado diez años antes con la letra en inglés de How to get girls. La voz áspera de García se multiplica a lo largo de casi ocho minutos de un tema dylanesco que al final parece convertirse en un delirio deformado.

95. "Fantasía" (Cómo conseguir chicas 1989)

La palabra Fantasía, en una canción que alude a cierta paranoia y que García repite varias veces, no aparecía en la maqueta que grabó en ION. Al agregar las voces, García mantuvo la métrica original y reemplazó las partes que decían 'Realmente no sé quién soy' por 'La fantasía es ilusión'. "Cuando empezamos a mezclar en Nueva York, Charly no estaba seguro del sonido y quería reemplazar un par de canciones con fragmentos sobrantes de Part of Religion", dice el productor Joe Blaney. “Lo hicimos y fue un gran error. Creo que se enteró más tarde. "

Aunque no logra superar la canción original de casi siete minutos (que canta a dos voces con David Lebón en Will '92), esta canción que podría ser un guiño a la Metamorfosis de Kafka tiene su versión menos armoniosa en Kill Gil, dos décadas después. La letra, explica Lebón, surgió de peleas internas durante el regreso de Serú ('Cada vez que intentas matar, puedes estar matando a alguien que te trata bien'). En un video de las sesiones de Kill Gil, Charly pide alterado para terminar en fade out, sin más falsetes ni corcheas, "del cincuenta por ciento a nada".

97. "Dos, cero, uno (intercambios)" (Modern Clicks 1983)

En diciembre de 1982, la presentación de Pasando de la cama al salón en Ferro fue patrocinada por la marca de jeans Fiorucci y desató una fuerte polémica entre los fanáticos de García, quienes lo acusaron de haber vendido al mercado. Al año siguiente, 'Dos, cero, uno (transas)' ironizó sobre su supuesta conversión en tercera persona ('Se cansó de hacer canciones de protesta y se vendió a Fiorucci'; 'Un día volverá a las fuentes, yo no 'No creo que pueda dejar de protestar'), simplemente a bordo de un piano espaciado y una percusión afro.

98. "Las increíbles aventuras del Señor Tijeras" (Pequeñas anécdotas sobre instituciones 1974)

Como Tommy, 'Señor Scissors' incluye un desarrollo dramático de la ópera rock, uso y abuso de sintetizadores y falsetes, y un final con tintes premonitorios: 'Te veré en 20 años en televisión, corta y aburrida, a todo color' . El original decía: "Detesto a las personas que tienen el poder de explicar qué es bueno y qué es malo también, solo la gente, mi amigo, es capaz de entender".

Tras varias temporadas en el infierno (Say No More y El aguante), García intenta reinventarse como artista conceptual y reencarna con la mirada de un vampiro en la portada de un disco grabado entre Circo Beat y 'La cama de Charly'. El golpe del bombo punk rock al comienzo de 'El amor aguarda' es el preludio de un tema de cambio de humor ('Me hago el muerto para ver quién me llora, para ver quién me ha usado') que había estrenado dos Hace años en Mendoza, la noche antes de saltar desde el noveno piso de una habitación de hotel.

100. "Kill My Mother" (Stamina 1998)

En una sola toma, García grabó en Madrid ocho minutos y medio de una canción gloriosa, con sabor a venganza, dedicada a su madre, Carmen Moreno, de quien se ha distanciado desde que ella decidió obligarlo a ingresar en una clínica psiquiátrica (en 1995 se obtuvo el apellido materno). "El tema es una especie de mosaico aleatorio, lleno de planos superpuestos", dice Claudio Gabis. "Y, en medio de todo eso, reconozco mi guitarra". Cerca del final de la canción, García presentó un fragmento de 'Positively 4th Street' de Bob Dylan.

Lista de votantes y método de clasificación: Alejandro Pont Lezica (Empresario / Productor), Alfredo Rosso (Periodista), Amilcar Gilabert (Ingeniero de sonido / Productor) Andrés Calamaro (Músico) Andy Cherniavsky (Fotógrafo), Antonio Gasalla (Actor), Bobby Flores (Presentador) / Músico), Daniel Grinbank (Emprendedor), Femando Samalea (Músico), Francisco Bochatón (Músico), Gustavo Santaolalla (Músico / Productor), Hilda Lizarazu (Música / Fotógrafo), Joe Blaney (Ingeniero de sonido / Productor), José Palazzo ( Empresario), Juan José Quaranta (Iluminador / empresario), Juan Manuel Cibeira (ejecutivo discográfico), Juan Rodríguez (Músico Sui Generis), León Gieco (Músico), Lisandro Aristimuño (Músico), Manuel Moretti (Músico estrella), Mario Breuer ( Ingeniero de sonido / productor), Palito Ortega (Músico), Pipo Cipolatti (Músico), Pipo Lernoud (Poeta / Periodista), Richard Coleman (Músico), Rinaldo Rafanelli (Músico The Bird Making Machine / Polifemo), Sergio Marchi (Periodista), Sergio Pujol (Journali st), Tweety González (Músico / Productor) y Willy Iturri (Músico)

Cómo se hizo la lista: Para definir el ranking "Las 100 mejores canciones de Charly García" Rolling Stone convocó a un panel de expertos integrado por músicos, productores y periodistas con un profundo conocimiento de la obra de García. A cada uno se le pidió que eligiera las diez mejores canciones de la carrera del artista, desde Sui Generis hasta el presente. Con base en estos resultados, agregando sus propias contribuciones, los editores de RS desarrollaron esta lista.

Producción y textos: Claudio Kleiman, Pablo Plotkin, Juan Morris, Oscar Jalil, Juanjo Carmona, Juan Barberis, Nicolás Miguelez y Bruno Larocca.

Copyright 2021 SA LA NACION | Reservados todos los derechos

Descarga la aplicación de LA NACION. Es rápido y ligero.

¿Quieres recibir notificaciones de alerta?

Ha occurido un error de conexión